Culturellement vôtre

En 2022, j’ai eu l’occasion de découvrir l’exposition intitulée The New Black Vanguard qui se tenait au musée des Beaux-Arts le Locle (MBAL), en Suisse.

The New Black Vanguard est une exposition et un livre influents conçus par le curateur et écrivain Antwaun Sargent. Publié en 2019, cet ouvrage explore comment une nouvelle génération de photographes noirs redéfinit les notions de beauté, de représentation et de race dans l’art contemporain et la photographie de mode.

Plusieurs thèmes principaux en ressortent :

Représentation de la beauté noire
L’exposition et le livre mettent en avant une vision radicalement différente des représentations traditionnelles des corps noirs, souvent marginalisés ou stéréotypés dans les médias.

Intersection entre mode et art
Ces photographes travaillent souvent à l’intersection de la photographie éditoriale, de la mode, et des arts visuels, brouillant les frontières entre ces genres.

Empowerment
Les artistes de ce mouvement célèbrent la diversité, la richesse et la multiplicité de l’expérience noire à travers des œuvres vibrantes et audacieuses.

Parmi les talents mis en avant figurent des artistes contemporains comme :

• Tyler Mitchell : Premier photographe noir à réaliser une couverture pour Vogue US (avec Beyoncé en 2018).
• Dana Scruggs : Connu pour son travail explorant la lumière et la texture dans la représentation des corps noirs.
• Nadine Ijewere : Photographe britannique et première femme noire à réaliser une couverture pour Vogue UK en 2018.
• Mais encore Micaiah Carter, Renell Medrano, Campbell Addy, Arielle Bobb-Willis, Awol Erizku, Quil Lemons, Namsa Leuba, Jamal Nxedlana, Daniel Obasi, Ruth Ossai, Adrienne Raquel et Stephen Tayo.

The New Black Vanguard est une réponse à l’histoire d’exclusion et de sous-représentation des artistes noirs dans les sphères de l’art et de la mode. Cette initiative cherche à créer de nouveaux récits visuels qui célèbrent la diversité et remettent en question les normes établies.

L’exposition a été présentée dans divers lieux, notamment à la Saatchi Gallery à Londres et au Festival Les Rencontres d’Arles en France, renforçant son impact sur la manière dont la culture populaire, la mode et l’art intègrent de nouvelles perspectives sur la beauté et l’identité noire.

Au vue du nombre de photographes représentés dans l’exposition et l’ouvrage, je vous propose une sélection de photographes dont le travail me plaît particulièrement et que j’ai envie de détailler.

Tyler Mitchell

Tyler Mitchell est un photographe et cinéaste américain, né en 1995 à Atlanta, en Géorgie. Il est connu pour son esthétique unique qui célèbre la joie, la douceur et la puissance de la communauté noire, souvent avec un style visuel coloré, lumineux et rêveur.

Il est devenu célèbre en 2018 (à seulement 23 ans) lorsqu’il est devenu le premier photographe noir à réaliser une couverture pour Vogue US en 126 ans d’histoire. La couverture mettait en scène Beyoncé, et ce choix a marqué un tournant dans l’industrie de la mode en termes de diversité et de représentation. (Mitchell fait ainsi parti du petit club de photographes noirs qui ont contribués aux pages du Magazine durant le dernier siècle; ce groupe inclut Awol Erizku, Lorna Simpson et Gordon Parks).

Mitchell adopte une approche qui célèbre la jeunesse et la joie des sujets noirs, une vision radicalement différente des images souvent empreintes de douleur et de violence associées à l’histoire des Noirs dans l’art. Il insiste sur l’importance de voir les Noirs sous une lumière joyeuse, douce et aimante, offrant ainsi une vision alternative de leur existence. Il utilise ainsi des palettes de couleurs riches et lumineuses qui rappellent la photographie de mode classique tout en apportant une perspective contemporaine. Ses œuvres sont souvent décrites comme ayant une dimension onirique et paisible, mettant l’accent sur la vulnérabilité et l’élégance de ses sujets.

Une représentation positive des corps noirs : Il s’oppose à la représentation des Noirs uniquement sous le prisme de la souffrance, optant pour des images qui mettent en valeur l’optimisme et la dignité. Il représente ainsi ses sujets dans des moments de bonheur, de douceur et d’émancipation, dans des environnements naturels et idylliques, souvent baignés de lumière naturelle. Mitchell qualifie ses œuvres de « utopie visuelle », un espace fictif où les Noirs sont libres des contraintes sociétales et où ils peuvent simplement « être ». L’idée sous-jacente est de montrer que ces moments de bonheur ne devraient pas être une exception, mais bien une norme.

« I want my images to create a utopia that’s on par with the pain that we’ve experienced. I want to see Black people depicted as free and expressive and enjoying the outdoors. I want people to look at these pictures and think, Wow, this is beautiful ».

– Tyler Mitchell

Son travail est présenté dans des magazines prestigieux tels que Vogue, Dazed, i-D, et The New York Times. Il a également collaboré avec des marques de mode comme Gucci, Givenchy, et Loewe, et des artistes influents comme Solange Knowles, Kendrick Lamar, et Spike Lee.

Finalement, Tyler Mitchell est considéré comme un pionnier de la représentation positive et nuancée des identités noires dans la photographie contemporaine. Il a ouvert la voie à une nouvelle génération d’artistes noirs qui revendiquent des récits visuels plus diversifiés et personnels.

Crédits Photo : © Tyler Mitchell

Arielle Bobb-Willis

Arielle Bobb-Willis est une photographe américaine, née en 1995 à New York, reconnue pour son style distinctif, qui allie la photographie de mode, le portrait et une approche artistique unique. Elle se distingue par l’utilisation de couleurs vives, de poses expressives et d’une composition qui évoque une profonde réflexion sur l’émotion, la douleur et la libération.

L’une des grandes particularités du travail de Bobb-Willis est que ses sujets adoptent souvent des postures exagérées ou abstraites, presque sculpturales. Ces poses, parfois inconfortables ou inhabituelles, reflètent des états émotionnels complexes et interrogent les conventions de la photographie de mode classique. Elle qualifie ses poses comme un moyen de montrer la tension et la lutte intérieure tout en explorant les possibilités du corps humain. Ainsi, ses œuvres jouent souvent sur le contraste entre rigidité et fluidité, avec des sujets qui semblent à la fois figés dans le temps et prêts à s’effondrer ou à se libérer. Elle met en avant des sujets noirs dans des contextes qui célèbrent leur individualité tout en explorant leur relation à l’espace et à l’émotion.

Bobb-Willis utilise des couleurs vives et saturées, qu’elle considère comme un contrepoint à sa propre expérience de la douleur et de la tristesse. Ces teintes lumineuses symbolisent souvent la joie et la possibilité de transformation. Ses photographies évoquent parfois le travail de peintres comme Henri Matisse ou David Hockney, notamment par l’utilisation de compositions géométriques et de jeux de lumière.

« I want people to see my work and feel the tension that I’ve felt but also see that there is a sense of joy in overcoming those feelings. I think photography can do that—it can hold so much in one frame ».

– Arielle Bobb-Willis

Crédits Photo : © Arielle Bobb-Willis

Micaiah Carter

Micaiah Carter est un photographe américain renommé pour ses portraits intimes et son travail dans la mode. Sa photographie s’inspire d’un désir de créer des représentations positives et nuancées des communautés marginalisées, tout en rendant hommage à l’héritage culturel afro-américain.

Ses photographies combinent authenticité et esthétique éditoriale raffinée. En effet, ses sujets apparaissent souvent dans des poses naturelles, transmettant une sensation d’intimité et de connexion.

Il se distingue par l’utilisation de tons riches et d’une lumière douce, souvent influencés par l’esthétique des années 1970 et 1980. Il joue ainsi avec des couleurs et des textures pour évoquer une certaine nostalgie tout en restant moderne.

« I want to create images that tell a story and leave a legacy. Representation matters, and photography has the power to shape how we see ourselves and others ».

– Micaiah Carter

Parmi ses sujets figurent des figures influentes comme Zendaya, Issa Rae, Pharrell Williams, Tyler, the Creator, et Billie Eilish. Ses portraits sont souvent empreints de personnalité, révélant une facette intime des stars qu’il photographie (une que j’adore est celle de l’actrice Taraji P. Henson ci-dessus).

Crédits Photo : © Micaiah Carter

Nadine Ijewere

Nadine Ijewere est une photographe britannique reconnue pour son travail innovant et avant-gardiste qui explore la beauté, l’identité et la diversité culturelle. Elle s’est imposée comme l’une des figures majeures de la photographie contemporaine, redéfinissant les normes de représentation dans l’industrie de la mode. Elle est née et a grandi à Londres, en Angleterre, avec des racines familiales nigérianes et jamaïcaines. Son héritage multiculturel joue un rôle central dans son travail, inspirant son exploration des récits et des traditions visuelles non occidentales. Elle intègre des éléments visuels et stylistiques tirés de ces cultures, tels que les coiffures traditionnelles africaines et les textiles colorés. Cela lui a également permis de développer son style distinctif et son intérêt pour la déconstruction des normes de beauté eurocentrées en célébrant des caractéristiques uniques, comme les cheveux naturels et les différentes textures de peau.

Ainsi, Nadine Ijewere met un point d’honneur à photographier des personnes issues de divers horizons culturels et ethniques. Ses images célèbrent les caractéristiques uniques de ses sujets et mettent en avant des visages souvent sous-représentés dans l’industrie de la mode. Elle travaille fréquemment avec des modèles aux looks non conventionnels, des coiffures et des maquillages inspirés des traditions culturelles. Beaucoup de ses œuvres mettent en avant des femmes, en leur offrant un espace de représentation qui valorise leur force et leur individualité.

Ses photographies sont connues pour leur utilisation de couleurs vives et pastel, des arrière-plans texturés et une composition qui évoque une certaine douceur et poésie. Elle intègre souvent des éléments visuels qui font référence à des textiles, motifs et styles africains ou caribéens.

« Growing up, I didn’t see people who looked like me in fashion images. That’s why I make it a point to create work that’s inclusive and representative of what beauty truly is ».

– Nadine Ijewere

En 2018, Nadine Ijewere est entrée dans l’histoire en devenant la première femme noire à photographier une couverture de Vogue UK, un moment marquant pour l’industrie de la mode. La couverture mettait en avant des visages diversifiés et représentait un tournant dans la reconnaissance de nouveaux talents.

Crédits Photo : © Nadine Ijewere

Quil Lemons

Quil Lemons est un photographe américain contemporain, originaire de Philadelphie, qui s’est rapidement imposé comme l’un des jeunes talents les plus prometteurs de sa génération. Reconnu pour son approche audacieuse et innovante, il explore des thèmes tels que l’identité, la masculinité, la beauté et la culture noire à travers une esthétique vibrante et intime. Lemons est également célèbre pour ses efforts visant à déconstruire les stéréotypes liés à la masculinité noire et à célébrer les identités queer.

Lemons s’intéresse aux identités multiples, qu’elles soient liées à la race, au genre ou à la sexualité. Il photographie souvent des sujets noirs dans des contextes qui célèbrent leur individualité et leur humanité. Dans une démarche de déconstruction des normes sociales, il joue avec les conventions et les codes visuels pour remettre en question les notions de masculinité, de genre et de beauté, notamment en mettant en avant des hommes dans des contextes ou des styles souvent associés à la féminité.

Ainsi, l’un de ses projets majeurs Glitterboy (2017), explore la masculinité noire et queer en photographiant des hommes noirs portant des paillettes sur leur visage. L’objectif était de briser les stéréotypes autour de la masculinité noire, souvent perçue comme rigide ou hyper-masculine, et de montrer des images empreintes de douceur et de beauté. Le projet a été largement diffusé en ligne et salué pour son approche novatrice et poétique.

« I want to create work that’s joyful, authentic, and challenges what we think we know about identity and beauty. Photography should be a tool for liberation ».

– Quil Lemons

Crédits Photo : © Quil Lemons

Namsa Leuba

Namsa Leuba est une photographe et directrice artistique d’origine guinéo-suisse, née en 1982 en Suisse, reconnue pour son exploration de l’identité, des rituels et des représentations culturelles à travers une approche qui mêle anthropologie, mode et art contemporain. Son travail interroge les perceptions occidentales de l’Afrique tout en célébrant les cultures africaines et leur richesse visuelle. Sa double identité culturelle influence profondément son art, qui explore souvent les tensions et les convergences entre les cultures africaines et européennes.

Ses photographies intègrent des éléments de mode, de design et de symbolisme traditionnel. Elle utilise des vêtements, des accessoires et des mises en scène pour recontextualiser des symboles culturels. L’esthétique visuelle de ses travaux est marquée par un minimalisme graphique et des couleurs vives. Les femmes africaines sont célébrées à travers des portraits puissants et des compositions élaborées. Les images mettent en avant la force et la beauté féminines, tout en jouant avec des éléments culturels traditionnels et modernes.

Namsa Leuba joue un rôle essentiel dans la redéfinition de la représentation de l’Afrique dans les médias visuels, en mettant l’accent sur la beauté et la complexité des cultures africaines. Son travail agit comme un pont entre les traditions et la modernité, entre l’Afrique et l’Occident.

« Mon travail porte sur la construction de nouvelles identités et la réinvention des récits visuels. Je veux offrir une nouvelle perspective sur ce que signifie être africain aujourd’hui ».

– Namsa Leuba

Crédits Photo : © Namsa Leuba

Jamal Nxedlana

Jamal Nxedlana est un photographe, artiste multidisciplinaire et directeur créatif sud-africain reconnu pour son travail novateur explorant les thèmes de l’identité, de la culture urbaine, et des récits afrofuturistes. Basé à Johannesburg puis, désormais à Genève, il est une figure clé dans la scène artistique contemporaine en Afrique du Sud, contribuant activement à redéfinir la manière dont les cultures africaines sont perçues et représentées visuellement.

Il intègre des éléments d’afrofuturisme, un mouvement artistique et culturel qui explore l’avenir à travers une lentille africaine. Son travail mêle souvent des esthétiques traditionnelles africaines à des concepts futuristes. Son style visuel est marqué par des compositions audacieuses, des couleurs vives et des scénographies oniriques qui brouillent les frontières entre passé, présent et futur.

Nxedlana documente fréquemment la culture de la jeunesse en Afrique du Sud, mettant en avant des personnages vibrants et authentiques qui reflètent l’évolution des identités africaines dans un monde globalisé.

Il est le co-fondateur de Bubblegum Club, une plateforme culturelle et créative basée à Johannesburg. Cette initiative explore et documente les tendances émergentes en matière d’art, de mode, de musique et de culture urbaine en Afrique du Sud. Bubblegum Club agit également comme un studio créatif, produisant des campagnes visuelles innovantes pour des marques et des artistes locaux et internationaux. À travers Bubblegum Club et ses propres œuvres, Jamal Nxedlana offre une plateforme où les jeunes artistes africains peuvent s’exprimer et partager leurs histoires avec le monde.

« Our stories are not just about struggle—they’re about joy, creativity, and the infinite possibilities of being African in a globalized world ».

– Jamal Nxedlana

Crédits Photo : © Jamal Nxedlana

Pour découvrir davantage leurs travaux et ceux des autres photographes que je n’ai pas développé, n’hésitez pas à consulter l’ouvrage d’Antwaun Sargent, The New Black Vanguard : photography between art and fashion, New York : Aperture, 2019.